Lukas Bleuel absolvierte bei Franz Erhard Walther ein Vorstudium und dieser empfahl ihm die Hamburger Kunsthochschule. In seinem Masterstudium befasste  sich Lukas Bleuel vor allem mit dem Bildbetrachtungsprozess und begann mit der Anfertigung großer Aquarelle, als Reaktion auf den ansteigenden und immer schneller werdenden Bildkonsum. 

"Seit mehreren Jahren beschäftigt mich die Frage, wie die Betrachtungszeit von Bildern verlängert und intensiviert werden kann. Im Gegensatz zum heute immer stärker werdenden (kurz-) Konsum von Bildern (Werbeplakate, Youtube-Clips...), versuche ich Bilder zu erzeugen, welche dem Betrachter als eine Art „Spiel“ für dessen Blickwanderungen dienen. Nicht der Inhalt, sondern die Blickfolgen interessieren mich maßgeblich. Deswegen verstehe ich mich auch nicht in erster Linie als Maler, sondern eher als „Betrachtungs-Forscher“ bzw. „Betrachtungsspieler“. Während das Format und die Materialität des Aquarellpapiers an Werbeplakate erinnern, erhalten meine Bilder keine klaren Informationen für den Betrachter, sondern bilden einen „Urwald“ aus Andeutungen. Eine sehr vielschichtige Aquarell-Lasurmalerei verdichtet die Bildwelt. In den ersten Schichten versuche ich eine „glühende“ Farbstimmung zu erzeugen und mit den darauf gesetzten rhythmisch gestischen Elementen die späteren Blickfolgen des Betrachters zu beeinflussen. Manchmal gebe ich den Bildern einen „Bühnenbild“-Charakter, mit dem Gedanken, dass die Betrachtung eine Art Performance im (bzw. mit) dem Bild seien könnte. Auch die Bildtitel bestehen aus Aufforderungen, wie ich mir die Betrachtung des Bildes vorstellen könnte oder eine gestellte Frage an den Betrachter. Z.B. Sind Titel wie: "Wer mit wem?" so zu verstehen, dass der Betrachter verschiedene Elemente des Bildes oder Figuren miteinander "gedanklich" verbinden kann."

David Schomberg sieht sich als Homo ludens. Schombergs ästhetische Spielfreude zeigt sich in den vielfältigen Variationen seiner Werke. In großformatigen Installationen erschließt er verschiedene Wirkmöglichkeiten. Als Material benutzt er Keramik und Messing ebenso wie Papier.

Alltägliches, wie ein Abendessen, inszeniert er als Szenerie mit entworfenem Geschirr und der Gestaltung des Raumes. Auch die Graphik nimmt einen großen Stellenwert bei Schomberg ein. Kunst und Sprache, vom Schriftbild zum Denkbild. In der gemeinsamen Ausstellung von Bleuel und Schomberg zeigen die Künstler eine sich ergänzende Signatur, die das Vokabular figurativer und abstrakter Mal- und Kunstsprachen untersucht.          

Beide Kün     Beide Künstler beschäftigen sich mit Alltagsgegenständen im Raum, die sie in einem besonderen Verfahren aus Gips und Porzellan verfremden, sodass grundlegende Fragen entstehen: Was nehmen wir in welcher Weise wahr und in welcher Art Raum befinden wir uns?

An viele Dinge des Alltags haben wir uns gewöhnt, sie sind Teile des eigenen Lebens und damit auch in gewisser Weise dem Blickfeld entschwunden. Die Künstler erheben das vermeintlich Unbedeutende zum Hauptmotiv und lassen den Betrachter neue Perspektiven erleben.

Alltagsgegenstände wie ein Plastikbecher, eine Cola-Dose oder ein Kohlkopf als verformte weiße Porzellangegenstände. Die genau abgeformten Gipsformen werden mit einer speziellen Porzellanmischung ausgegossen. Durch den Brennprozess finden Verformungen statt, sodass im Grunde alltägliche Szenen als zerschmelzend gesehen werden. Ein anderer Effekt wird mit Bronzeabgüssen beispielsweise von Kartoffeln erzielt, die wie Gold schimmern.

Die Bildhauer Nana Hirose und Kazuma Nagatani verwenden neben Gips und Porzellan vor allem Holz, Bronze und Materialien aus dem Alltag. Sie lassen Miniaturhäuser entstehen oder regen zur Auseinandersetzung mit der Sichtweise auf den Alltag und seiner Sinnlichkeit an durch Verformungen realer Gegenstände als Keramikabgüsse. Die Realität wird somit in eine neue Form von Wirklichkeit überführt.

Der Archäologe und freie Künstler Carsten Westphal reist in die Wüsten dieser Welt, um dort zu malen. Er selbst sagt: „Die Wüste ist mein Atelier. Sie inspiriert mich zu bislang Ungemaltem und macht meine Gedanken klar. Hier erreiche ich den Idealzustand, den ich beim Arbeitsprozess anstrebe. In einer Umgebung, wo alles Überflüssige hinweg genommen wurde, fällt es mir leicht, der Intuition Raum zu geben.“

Es sind die rauen und feinen Strukturen der ausgetrockneten, zerrissenen Erde, der zerborstenen Geröllfelder, der vom Wind geformten Sanddünen, die den Künstler in die Wüsten ziehen. Westphal reist in diese Landschaften per Jeep, per Kamel oder zu Fuß, um den idealen Ort zum Malen zu finden. Ob in der Sahara, in der indischen Wüste Thar, auf dem Mosesberg in der Wüste Sinai, in den arabischen Wüsten Syriens und Jordaniens oder in der größten Sandwüste der Welt, der Rub al Khali, ob in ausgetrockneten Salzseen, in Geröllfeldern erloschener Vulkane oder in versiegten und zerstaubten Flüssen: Der Zauber der kargen Weiten, die Magie der Urkräfte, welche diese Urlandschaften schufen, will der Künstler in seinen Bildern einfangen.

Die Materialien, die er dort vorfindet, das Salz, den Sand, die Erde und den Pigmentstaub mischt er mit Farbpigmenten und Bindemitteln und trägt sie mit dem Pinsel auf die Leinwand auf. So erschafft er tellurische Landschaften, Spiegelbilder der Urkräfte, die diese Landschaften formten, Strukturbilder, die so nur in der Wüste entstehen können.

Dabei ist er der Katalysator, durch den sich die elementaren Urkräfte in seinen Bildern manifestieren, wenn er im heißen Wüstensand über der Leinwand kniet, die Farben aufträgt, die Farbschichten in der Sonne glitzernd in der Struktur erstarren und der Wind feinen Sand auf die Leinwand bläst. „Kunst ist Abenteuer“, sagt Carsten Westphal und man kann es sich bildlich vorstellen, wenn er schwer beladen mit Wasser, Leinwand und Farben durch die Wüste stapft, wenn er berichtet vom Malen in herdplattenheißen Geröllfeldern oder in gigantischen Sanddünen bei Temperaturen um die 50°C, überrascht von Sandstürmen, bei denen man nie weiß, ob sie Stunden oder Tage andauern.

Mit dem vielschichtigen Thema SINNBUILDER beschäftigen sich 13 Mitglieder des Cuxhavener Kunstvereins auf ganz unterschiedliche Weise.

Sinnbilder sprechen einerseits die Sinne an, sehen sich aber auch als Symbolik für verschiedene Ebenen unserer Deutungsmöglichkeiten und Wahrnehmungen. Lassen Sie sich überraschen, wie unsere Mitglieder dieses Thema umgesetzt haben.

Zwei vier Meter hohe Portale vor dem Schloss Ritzebüttel in Cuxhaven laden die Besucher zum Nachdenken und zur Reflexion ein: Erst auf den zweiten Blick wird erkennbar, dass es sich um die Portale handelt, die auf dem 50-Euro-Geldschein abgebildet sind. In ihrer Architektur erscheinen sie unfertig, fast zerbröckelnd, sodass einige Zargen nicht ganz passen. Die großformatigen Sperrholzassemblagen greifen einerseits die manifestierte Architekturgeschichte auf den Geldscheinen der Europäischen Union auf, zeigen jedoch auch eine doppeldeutige Brüchigkeit. Kaum jemand beschäftigt sich bewusst mit den Motiven auf den Geldscheinen, obwohl man sie doch täglich in die Hand nimmt.

Der in Düsseldorf lebende Künstler Clemens Botho Goldbach zeigt mit seiner Ausstellung „EURUIN – Die Euroguppe“ wie fragil die Europäische  Währungsgemeinschaft ist. Die Ruinenmotive, die auf der Rückseite wie Theaterkulissen offen sind, zeigen nicht nur formtypologische und materialästhetische Komponenten, sondern vor allem die symbolische Qualität. Der Betrachter sieht sich selbst im Spannungselement zwischen Aufbau und Verfall und wird durch die außergewöhnliche Konfrontation mit dem Ort und dem Sujet in die Thematik direkt hineingezogen.

In der Ausstellung "Durch endlose Flure" zeigt der in Köln lebende Künstler Simon Schubert Papierfaltungen, Graphitzeichnungen und Skulpturen. Der Künstler hat im Laufe seines Studiums an der Kunstakademie Düsseldorf eine besondere Technik des Papierfaltens entwickelt, mit der er räumlich illusionistische Architekturbilder entstehen lässt. Die Bilder werden sichtbar durch das Zusammenspiel von Licht und Schatten auf den filigranen Falten. Schubert kombiniert diese Bilder mit Skulpturen zu raumgreifenden Installationen, in denen sich die verschiedenen Arbeiten ergänzen.

Die verschiedenen Arbeiten sind Teil eines größeren Projekts, in dem Schubert an einem sich immer weiter erweiternden, fiktiven Gebäude arbeitet. So ist jedes Bild und jede begehbare Installation als ein Blick, bzw. ein Raum dieses Gebäudes zu verstehen. Der Betrachter streift durch die weißen, aber schattenhaften Zimmer.

Schubert betreibt in seinen Arbeiten immer wieder ein Spiel mit Wahrnehmung und Illusion und lässt in seinem wuchernden architektonischen Projekt eine eigene Welt entstehen, die in ihrer räumlichen Struktur über innere Räume und Wahrnehmungsräume reflektiert und Fragen nach unserer visuellen Wahrnehmung stellt.

Auch kleine Flächen können großzügig wirken. Wie kann man Weite in kleinen Räumen schaffen? Mit dieser Frage haben sich Architekten sowie Innen- und Landschaftsarchitekten beschäftigt. Als Antwort haben sie Raumwunder gefunden.

Eine Fachjury wählte unter der Leitung von Hartmut Rüdiger im Sommer 2017 sieben Objekte aus, die unterschiedlicher gar nicht sein können. Das kleine Reihenhaus aus den 50er Jahren wirkt auf einmal luftig, während das Bremer Stadthaus einen Aufbau bekommt und in die Höhe wachsen kann. Doch auch mitwachsende Zwillingszimmer, ein Mini-Haus am Meer, ein spannendes Kaffemühlenhaus oder sogar ein Haus ohne Zimmer, zeigen, wie sich Wohnen auf kleinem Raum großartig anfühlt. Alle Objekte befinden sich in Niedersachsen oder Bremen.

Diese Wanderausstellung ist von der Architektenkammer Niedersachsen konzipiert. Wir freuen uns über die gelungene Kooperation.